quinta-feira, 24 de dezembro de 2009

LABORATÓRIO DE COPYWRONG


COPY, RIGHT?
Right!


—conversa com Rogério Nuno Costa (performer e criador português)



















@Samuel & Ana Barrinha ["MASHUP", 05.12.2009]


RICARDO CARMONA
Olá. Como te disse, estou a fazer um trabalho para um curso que estou a tirar, e decidi fazer o trabalho sobre o copyright, falar sobre uma série de conceitos que lhe estão ligados, um pouco como reacção ao copyright, como o freeware, o opensorce e o copyleft. E como sei que tens abordado esses temas, achei boa ideia falar contigo, especialmente depois do teu último espectáculo: MASHUP.

ROGÉRIO NUNO COSTA
Isso é interessante. Através do conceito de mashup, fui chegando a uma série de coisas, que investiguei na fase de processo. Mas não fiz uma investigação muito profunda; fui até onde as exigências do espectáculo me pediram. Na verdade, interessa-me mais o lado performativo e as questões filosóficas que levanta, mais do que o aspecto político...

RICARDO
Estás inscrito na SPA?

ROGÉRIO
Eu não, nem quero!

RICARDO
Porquê?

ROGÉRIO
Não sinto que nada do que tenha feito até agora mereça ser "protegido" por uma associação de interesses (diria melhor, de interesseiros) que vivem à custa de leis idiotas e que fazem dinheiro às custas da tua suposta "criatividade". Na verdade, não tenho qualquer receio que o meu trabalho possa ser copiado, plagiado, vandalizado, whatever... É para isso que ele existe e é por isso que ele existe, porque ele próprio copia, plagia e vandaliza. Acredito na circulação hiper-referencial de ideias e de conceitos. A crise da originalidade fascina-me, não a pretendo corrigir, superar, ou coisa que o valha, talvez percebê-la melhor...

[Nota de rodapé: Rogério Nuno Costa, no início da página do projecto "Espectáculo de Teatro", tem a seguinte informação: "No rights reserved. Unless otherwise indicated, all materials on these pages are not copyrighted. Any part of these pages, either text, audio, video or images may be used for any purpose other than personal use, without explicit authorization by Rogério Nuno Costa. Therefore, reproduction, modification, storage in a retrieval system or retransmission, in any form or by any means, electronic, mechanical, or otherwise, for reasons other than personal use, is strictly allowed without prior written permission.]

RICARDO
Mas reivindicas uma autoria do trabalho? Estou a falar de um modo mais geral, não tanto neste espectáculo.

ROGÉRIO
Sim e não. Reivindico uma autoria num sentido quase de missão científica ou jornalística. Por exemplo, um cientista que descobre a vacina para uma doença antes incurável tem o dever "científico" de a comunicar ao mundo, torna-se autor de uma descoberta, mais do que uma criação, tal como o jornalista que publica uma história que as pessoas merecem saber. Não é autor da história, é simplesmente um intermediário entre duas coisas...

RICARDO
Ok, então, tens a autoria, mas depois "libertas" para todos usarem...

ROGÉRIO
É mais ou menos assim que eu me posiciono perante a arte que faço de uma maneira geral; já o ano passado ["Espectáculo de Teatro"] tinha trabalhado em cima deste conceito, e na sua possível radicalização, embora a questão do copyright não tenha sido "tema" do espectáculo, era mais um anexo. No MASHUP, era de facto conceito estruturante de todo o projecto.

RICARDO
Na folha de sala dizes que não pediste autorização...

[Nota de rodapé (in folha de sala do espectáculo MASHUP): “A estrutura genérica do espectáculo foi directamente inspirada no imaginário criativo de artistas e companhias internacionais: Forced Entertainment, Pina Bausch, Romeo Castelucci, Alain Platel, Raimund Hoghe, Mathilde Monnier, Rosas/Anne Therese de Keersmaeker, Wim Vandekeibus, DV8, La Ribot, Jérôme Bell, Oklahoma Natural Theater, Eimuntas Nekrosius e Meg Stuart, e nacionais: Teatro Praga, Rui Horta, Paulo Ribeiro, Vera Mantero, Companhia de Teatro Sensurround, OLHO, Karnart e Casa Conveniente. Limitamo-nos a roubar descaradamente a forma, para depois a preenchermos com os conteúdos que nos interessavam. Não pedimos autorização.]

ROGÉRIO
Não pedi, de facto. Repara, tudo isto me parece uma falsa questão. Não estou a fazer nada que os outros antes de mim não tenham feito; aquilo que se afirma no MASHUP é uma absoluta redundância. Todos nos influenciamos e nos inspiramos noutros artistas de forma mais ou menos directa. A diferença, a existir, reside na intencionalidade e motivação em afirmar donde vêm essas referências e como são utilizadas nos espectáculos que fazemos. É um pouco aquilo que o David Bernardes diz no talk-show: "Se me disseres que outros antes de mim também já fizeram, eu até aceito. Mas eles fizeram, mas não disseram, logo, não fizeram". Sou defensor acérrimo da ideia de que a arte, hoje, sobrevive na sua simples e quase superficial enunciação, ou seja, esta questão de tornar algo visível (a tal dicotomia criação vs. revelação) ...remete-me para a ideia de que não podemos reconhecer o tratamento de certos conceitos retroactivamente, porque se assim fosse, poderíamos reconhecer "performance" na Idade Média.

RICARDO
Durante a peça, dás a entender, pela cena inicial, que os intérpretes são meros executantes... Uma das questões que me tenho deparado é que ao assumirmos os intérpretes dentro da óptica actual, todos os intérpretes são co-autores, e co-criadores e co-artistas (como uma das intérpretes diz no espectáculo); daqui a questionar a autoria de um espectáculo é um passo.

ROGÉRIO
Claro.

RICARDO
Mas tu invertes isso, no início e nas cenas plagiadas, mas depois no fim recuperas a ideia.

ROGÉRIO
O MASHUP vive em cima dessa dicotomia, que é também uma contradição absoluta; começa por ser uma crítica à instrumentalização do papel do actor/intérprete, daí a vontade de ter dissecado a própria palavra: intérprete como executante, mas também como tradutor. Eu tentei dar aos diferentes elementos do espectáculo (actores incluídos) a mesma dimensão dos diferentes elementos que compõem uma composição musical mashup. Repara que os DJs que fazem mashup, para se protegerem dos processos que lhes caem constantemente em cima por parte das editoras discográficas, afirmam que só fazem o que fazem para divulgar os artistas que misturam; é uma forma sublime de utilizarem o sistema para minarem o próprio sistema. Sistema esse que os acolhe quando os mashups se tornam êxitos de Youtube e ganham poder comercial. Muitas vezes são os próprios músicos que encostam as editoras contra a parede, exigindo que os processos sejam retirados.

RICARDO
Sim, é verdade, pois embora toda a gente reconheça a música, no fundo estás a criar uma nova coisa. A soma é mais do que a junção das partes. 1 + 1 = 3.

ROGÉRIO
Sim, mas isso da "nova coisa" é o elemento mais interessante e complexo; eu já andava obcecado com a possibilidade de uma Terceira Via™ desde o "Espectáculo de Teatro", e encontrei no mashup a materialização perfeita, e contemporânea, para esse "paradigma".

RICARDO
Achas que o MASHUP é um espectáculo revisionista?

ROGÉRIO
Revisionista no sentido de querer fazer uma espécie de antologia do que se passou nos últimos anos? Isso não, definitivamente... Aliás, o espectáculo afirma continuamente que não acredita em antologias, prefere procurar uma espécie de essencialidade ontológica. Antologia vs. Ontologia. E comprovar a tese de que NUNCA fomos originais.

RICARDO
Não é bem isso, é mais no sentido da re-criação, re-interpretação e afins... O que fez a Marina Abramovic no MOMA, com os trabalhos do Josef Beuys.

ROGÉRIO
Também não no sentido de re-criação, parece-me; quer dizer, nós tivemos que "re-criar" alguns pedaços de espectáculos antigos, mas isso é mais a questão técnica do espectáculo, que não me parece muito importante.

RICARDO
Sim, tens razão, esse é um outro caminho...

ROGÉRIO
A Abramovic fez um trabalho absolutamente "antológico"...

RICARDO
Sim, mas ao mesmo tempo é um novo trabalho...

ROGÉRIO
Não me parece que tenha sido esse o meu caminho... O "1 + 1 = 3" é mesmo outra coisa!

RICARDO
Será que ela tem copyright do que fez?

ROGÉRIO
Tenho a certeza que sim!

RICARDO
Copyright do copyright!

ROGÉRIO
Não há qualquer "ilegalidade" no trabalho dela, e no nosso também não, embora à superfície pareça que sim.

RICARDO
Mas voltando à questão dos intérpretes...

ROGÉRIO
É evidente que aqueles intérpretes (que estão, justamente, a fazer de "intérpretes", é essa a sua "personagem"...) são co-criadores, no sentido em que contribuíram criativamente para todas as dimensões dramatúrgicas e outras do espectáculo, nomeadamente para a questão da instrumentalização. Eles próprios se posicionaram perante as minhas ideias na condição de meros executantes, de fantoches nas mãos de um jogador de xadrez...

RICARDO
Então é por isso que apareces no fim com a placa de "Encenador Verdadeiro"?

ROGÉRIO
Também! Ainda que a piada venha do facto de termos usado na cena do "Mashup Performativo [espectáculos estreados em Portugal entre 1999 e 2009]" os cartazes que o Teatro Praga usava no espectáculo "Título", no qual se invertiam todos os dados, assumindo-os como falsos. Quando apareço enquanto porta-voz (encenador) daquele trabalho, é para cumprir com o 1 + 1 = 3, então tenho que assumir-me como "verdadeiro". Na lógica do Teatro Praga, dizeres que és verdadeiro num contexto de ficção, estás a assumir que na verdade é falso. É mentira que eu seja um encenador verdadeiro porque estou em cima de um palco a dizer que sou um encenador verdadeiro, logo, sou um falso encenador. Que sou!



















 @Samuel & Ana Barrinha ["MASHUP", 05.12.2009]




terça-feira, 8 de dezembro de 2009

CONTEMPLATIO MORTIS APOCALYPTICA

TERCEIRA VIA™,
caminho de escombro e cinza,
que é não-caminho,
porque nos leva aonde nós estamos:
aqui.



[ou sobre o ofício nulo da crítica de arte]



©MASHUP, [2009]



“É por isso que a verdadeira teoria crítica, se um dia houver, será idêntica à mística autêntica. Como diferença viva entre ausência do mundo e presença no mundo, a existência única torna-se atenta ao seu ser-no-mundo. Acosmismo esclarecido, o espírito do cosmopolitismo consegue compreender-se a si próprio. Então só a via mística estará ainda aberta. Como critica do caminho (Tao), ela leva aonde nós estamos.” [Peter Sloterdijk]


Pergunto-me porque ainda autorizamos disciplinas, como a Dança, o Teatro e a Performance no pleno triunfo de Show Biz e de toda a respectiva máquina política e fabriqueira. Não terão já chegado aos limites do ignóbil? Residências, concursos, programas de apoio, redes de salas de espectáculo, prémios, fundações, mecenato, bolsas, comunicação social, propaganda, por todo o lado estão presentes noções retóricas e disciplinares rígidas e hegemónicas: as pessoas têm que saber o que vão ver, e, quando compram bilhete, gostam de saber se é Dança, Performance ou Teatro, dizem. Pois é quando compram o bilhete que surge toda a nossa suspeita. A perplexidade está em saber que tudo isto é comércio, e o mercado não arrisca nem nunca arriscou: é próprio do negoceio apostar naquilo que entende vender bem, por saber o que vai vender e como. O estado e os sistemas de comércio têm que perceber o que é que apadrinham, não se vá patrocinar alguma antipatia. Em Portugal a situação agrava-se quando a cultura está radicalmente dependente do Estado. Ora, os governantes não são isentos politicamente, nem é próprio dos estados ter algo a dizer acerca da arte. Os políticos fazem política, não impulsionam artistas, o máximo que conseguem é alimentar empregados de séquito, campos de concentração produtiva ou polícias astutos. O que tem regrado esta cultura de estado tem como eixo o antigo encantamento de transformar tudo em economia, pois esta depende do pano de fundo, o materialismo transcendental da política. Pouco espaço subsiste para a livre actividade intelectual humana, independente da lógica laboral. Vemo-nos reduzidos ao estatuto de carreira profissional com direito a segurança social, reforminha e estabilidade no trabalho, quando existem. O fim disto redunda no vómito materialista dialéctico. Ora, há que saber distinguir, podemos não saber muita coisa mas percebemos bem que o Show Biz não nos interessa. Enquanto existir espectáculo, o triunfo é de quem nos oprime.

Relembremos que o Dada descobriu, há quase um século, que o fundamento da arte aponta para a liberdade absoluta. Liberdade essa que se devia defender de todo o apriorismo reducionista, inclusivamente daquele a que chamamos arte. É a este ponto que nos conduzem, por fim, os prolegómenos a toda a metafísica futura da aventura pós-Kantiana. A definição só vem depois de saber. Há que morrer primeiro na consciência da nossa ignorância das coisas. Quem pode hoje saber o que é arte quanto mais o que é dança, performance ou teatro? Onde se fundamentam estas disciplinas se não na lógica de mercadoria, ou pior, no ardil da estadística espectáculo? As perguntas levantadas vão mais fundo, e já não aceitam estes ditames estabelecidos. Devido a tudo isto a arte já só parece possível enquanto plano de fuga de si mesma. Há nessa descoberta algo próximo da teologia apofática, não podemos dizer em que consiste essa coisa a que chamámos arte, mas podemos muito bem dizer o que não é. Podemos ainda explicar que somos tão absolutamente livres que nos conseguimos limitar sem cair em cativeiro real, a liberdade não redunda, para nós, em sentença condicional.

É possível reabilitar os preceitos, as disciplinas, mas, de alguma forma, temos que visitar essas celas de porta aberta, ou com picaretas para abrir túneis, movidos por intenções bombistas. A encarnação do infinitamente livre reveste-se sempre desse carácter salvífico. Consegue passar por todos os estados sem se prender a nada realmente. Só assim se opera a crítica das disciplinas com os métodos da própria disciplina, sem transformar isso numa nova forma disciplinar. Se a liberdade for absoluta não pode estar fixa na sua própria condição livre. É não sistemática e não dialéctica, não dual, contra si mesma, antinómica, Advaita Vedanta e Taoísmo, elevação intuitiva para o Uno, mas este Uno ofusca simultaneamente o negativo e positivo, como caleidoscópio de sinfonias. Aprendemos que Deus, afinal, é um DJ. Também a filosofia já só nos parece possível como dadaísmo, porque esta nova metafísica não-dual criou, há um século, a corrupção profunda do pensamento monista de matriz aristotélica. O pensamento não dual, simbolizado pelo olhar central de Shiva, faz hoje a destruição mítica de Tripura e do seu Mayassura engenheiro. Todavia, como este espírito de ousadia envelheceu mal, acabou também por cair na prisão da receita mercantil, nas tiranias do espírito do tempo. O que era vida dionisíaca de cabaré extinguiu-se empalhado nos museus, negociado na Sothebys, domesticado nas salas de espectáculo. O que está vivo reside sempre na mobilização temporária antes da voragem dos mercadores.

Quem se quiser manter nesse “não estado” tem que reinventar sempre novos modos de contestar os grandes confins que já ninguém pode suportar. Tem que aprender a cavalgar o tigre. Esses limites não se fixam apenas nas velhas disciplinas artísticas. Toda a definição dá forma ao limite. Nas artes performativas, o corporal começa a ser corroído pela própria consciência das limitações do corpo. Muitas das suas manifestações são gritos de revolta contra a prisão corpo e as suas múltiplas grades: género, idade, forma, biologia, mortalidade. Não é por acaso que o corpo tem levantado as maiores obsessões artísticas das últimas décadas. Ele formaliza a prisão mais temível, da qual ninguém sai vivo. Fomos forçados a descobrir novas asceses de Ioga, novas formas de transcender os limites substanciais da metafísica truncada e categórica dos aristotélicos: limites do suporte físico no caso das artes plásticas, do espectacular, do Humano, limites do pensável, do dizível e do imaginável. Limite do saudável, da normalidade, da higiene, da interpretação, do sentido e forma, do momento de excepção, do público, da durabilidade, do tecnológico e político. A nova cultura delicia-se com o culto da catástrofe, pois existe na destruição a face do libertador, a promessa de transcendência em relação à centralidade fictícia do Ser.

O que prende e o que liberta nas disciplinas? Podem ainda ser livres enquanto celebração desse incondicionado. A cultura nasce do culto, desse culto à visão ontológica do ilimitado. Mas nesses casos dançamos em dias de festa e cantamos as janeiras, fazemos os ritos sagrados de sempre. E temos a vantagem de participar activamente como jogadores, na verdadeira arte relacional, sem pagar nada. O que nos aprisiona realmente são as fórmulas, o formalismo, o entretenimento, o terapêutico, o familiar, em suma, o costume soporífico, que não podemos confundir com o culto da tradição, no sentido superior de algo perene, que se firma por ser constante, e é incessante por ser sem limites; mas esse há muito que se extinguiu no Ocidente. Há nessas submissões à tradição a vantagem e a possibilidade do apuramento virtuoso de determinada estética, ou qualidade. O Belo clássico viceja onde os valores do Ser e da forma são celebrados, mas que fazer quando o paraíso se parece tanto com a clausura?

Existia já neste apuramento estético virtuoso o gosto pela transgressão dos limites do humano. O virtuoso roça o humanamente impossível de fazer, jogo de cálculo infinitesimal com o restrito, que evidencia a liberdade superior, só para os raros; elitista, pois pertence à elite possibilista fugir e vencer a jaula da vulgaridade. Também na estética clássica, o que a despedaça e armadilha é a tendência para a exaltação do Sublime, que testemunha a vontade de transgressão dos limites das definições de Belo. Não obstante, subsistiu sempre outro veneno que compromete a gratuitidade: a disciplina facilita a ocorrência do produto artístico mercantil, a qualidade formal, o artesanato. E este encerra o cativeiro mais pernicioso, que nos prende hoje, no quotidiano, em diversas dimensões ad nauseum. Não há celebração da vida, nem do absolutamente livre, há entretenimento, ou seja, adormecimento dos prisioneiros do grande hipermercado. Em vez de arte, assistimos ao exercício de sedução do pensamento-base mercantil, a redução à lógica industrial que premeia e fundamenta o mundo comandado por mercadores. Não é por acaso que nos discursos de política cultural do presente surge o conceito de “indústrias criativas”: este reverbera o remoque do sopro de morte da fábrica, do monstro que engole a liberdade humana. Ele dá voz eloquente à vontade económica, essa entidade autónoma, Leviatã dirigido por mãos invisíveis. Para bem do ardil dos mercadores, já só podem existir operários produtores.

A noção de artista adquiriu ao longo do tempo presente todas as tonalidades do espontâneo, do independente, vigora o arquétipo do livre, foi sugada por ele, dissolvendo a própria noção de artista e de arte. Definir a arte torna-se tão impossível como prender algo ilimitado. E necessitará denominação esse fluir? Necessitaremos ainda de lume para iluminar o Sol? Existe outro modo de usar as disciplinas, e este consiste em as instrumentalizar para fazer frente à comercialização de vanguardas mortas. Não é por isso cativeiro, mas reacção cínica à tentativa sórdida de vender, como resultado de liberdade criativa e experimental, a aparência e a fórmula gasta da transgressão. O que significam as rupturas quando já não há nada a transgredir e todas as fronteiras artísticas, estéticas e éticas, e mesmo jurídicas, parecem ter evaporado? Mas acima de tudo: que fazer quando são as instituições a estimular e caucionar a transgressão da qual são as principais accionistas? Que pensar do experimentalismo patético do Palais de Tokyo, epifania do mito utópico de proximidade entre artista e público? Renasce assim o “paradoxo permissivo”, tal como é exposto por Nathalie Heinich, e que “consiste em tornar a transgressão impossível, integrando-a desde que ela aparece”. O grito revolucionário de 68, “é proibido proibir”, reaparece subvertido na sua simetria não dual, e transformado em palavra de ordem monista e burocrática: “sejam transgressivos!”

Há sempre forma de criticar o tédio do conceptualismo estéril e institucional com os métodos de um formalismo de farsa, o high/low brow, de novos dogmatismos transitórios de festival. Podemos fazer ainda teatro, dança, performance mas só não agride a inteligência quando estão armadilhados. Rogério Nuno Costa surge como exemplo desta crítica, sempre que consegue não ser comido pelo tigre. O seu trabalho consiste na dissolução do conceptual pela exposição paródica dos pressupostos teóricos da pós-modernidade. A teoria retorce-se, ridicularizada, polemizada, subvertida e transmutada em espectáculo. Não são propriamente os limites formais da teatralidade o alvo principal, mas sim os limites das convenções especulativas que, figurados em cerimónia teatral, surgem no esplendor do caricato. Rogério continua na jaula do palco, mas já não como animal domesticado. Na seu último combate, MASHUP, o que há a extenuar é a própria noção teórica de espectáculo, de teatro, e de arte, a vaca sagrada da propriedade intelectual, o espectador, a duração, o protagonista, o intérprete e o local de cena.

O Livre hoje é ócio, mas amanhã pode ser feira de ociosos piratas, se acharmos gozo no comércio quando todos formos dele livres. Para estragar os negócios de Estado, e esmagar os narcóticos das artes performativas em Portugal, MASHUP propõe revisitar as fórmulas conceptuais criadas nos últimos tempos, mas em avalanche, como montanha de lixo e zapping cultural. E compreendemos, neste contexto, como é obsoleta a estética fundada no juízo de valor e qualidade das obras, assim como o ofício nulo da crítica de arte, alojada num papel puramente promocional. Este zapping surge como reflexo do novo hedonismo, ao alcance de todos pela pirataria, o plágio, as novas tecnologias que suprimem a agonia da escolha, os constrangimentos da falta de educação e de dinheiro, e permitem encontrar e criar em todo o lado, e a todo o momento, objectos de satisfação polimorfos. Esta prodigalidade cultural funciona como sistema imunitário contra todos aqueles que querem pôr em causa a sua legitimidade, e expõe flagrantemente a caducidade das propostas de inúmeros artistas contemporâneos, convencidos do carácter polémico, rebelde, escandaloso e subversivo das suas obras, enquanto a cultura dominante tira benefício dessa pretensa provocação artística, transformada em nova retórica de estado e de mercado. Por mais fascinantes que estas obras possam ser, só nos suscitam nostalgia e amargura. Como prenunciava Duchamp, o artista acaba por ser, enfim, mais outra “marca que faz produtos de marca, mas inofensivos”. Em MASHUP reconhecemos essa redução do qualitativo ao quantitativo, a arte apenas como rótulo e marca para elites, indistinta de outras etiquetas mais baratas, espectáculos de consumo mais fácil, como se tudo fosse desaguar confusamente à feira de produtos vintage, em segunda mão. A dualidade entre arte e kitch, estabelecida no modernismo por Greenberg, está aqui desmascarada, pois o seu único fundamento consiste no juízo de gosto da classe média. Em MASHUP, a arte foi arrebatada pela loja dos trezentos, marca pirateada na China, e as criadas podem finalmente vestir, sem medo, as roupas provocantes e vanguardistas da Senhora. Em breve vamos tomar de assalto os templos de consumo da cultura, roubar o que nos apetece, e a democratização cultural aparece como exercício simples, basta que se torne gratuita, nem que seja pela usurpação. MASHUP demonstra como podemos, sem nostalgias, recuperar e misturar livremente, como objects trouvés, as diferentes propostas artísticas do passado e os objectos da cultura distractiva e lúdica. Rogério Nuno Costa propõe aqui múltiplas experiências estéticas, em vertigem hedonista, libertas de toda a referência normativa ou hierarquias de valores predefinidos. Mas essa visão das coisas revela, na realidade, dois conflitos. O primeiro conflito reside no confronto da liberdade de julgar e elaborar critérios de gosto individual face à poderosa solicitação do consumismo e do sistema cultural que assegura massivamente a promoção dos seus produtos. Ou seja, na melhor das hipóteses, a nossa liberdade está viciada, estamos condicionados a fazer o que todos os outros fazem, quer se trate de arte, doxa popular, lazer ou turismo. O segundo conflito nasce desse fosso que, nos regimes democráticos, se interpõe entre a cultura dos peritos e a cultura profana. Esta situação demonstra claramente que, em termos artísticos, o projecto democrático nunca foi levado a sério, ou se reverte na paródia de si mesmo. Em MASHUP, a denúncia deste conflitos não resulta na síntese dialéctica, mas antes de mais na via do assalto. Como pode existir divisão entre alta cultura e cultura profana se o juízo de valor pressupõe o critério de qualidade? Se esse critério não existe, como o afirmam em cacofonia as vanguardas, e todas as instituições artísticas, então a muralha entre classes culturais também se torna nula: é tudo pimba. MASHUP revela o mundo hiperrealista onde a arte perdeu toda a sua significação, sinistro eco no abismo do Real, pesadelo cool, transparente, pop e publicitário. O que nos permite distinguir a alta cultura depende de mero acto de fé ou superstição. Desta vez a arte não saiu com vida, comeu-se a si mesma e morreu envenenada.

Até que ponto vai esta dissolução dos limites sem cairmos na anulação do Real? Ele demonstra por si o espectáculo mórbido do corpo em que se liquefazem os tecidos: contemplatio mortis apocaliptica. Conseguiremos olhar de frente a morte, o Real, esse exercício tão difícil como fixar o Sol, transformado em eclipse de cegueira. Invocam-se de novo os sacrifícios na fogueira, de que falava Artaud. Diante da fobia do abismo parece permissível voltar atrás, mas não é possível esconder os vestígios da queimadura. O que MASHUP nos mostra está na Terceira Via™, caminho de escombro e cinza, vislumbre de não-caminho, porque nos leva para onde já estamos.

©Nuno Miguel, 2009