segunda-feira, 27 de outubro de 2014

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SLEEPOVER™ is a drug created by quantum lyricist Rogério Nuno Costa, under his Nordic alias Riku Nuutti Koistinen, in 1917. Koistinen theorized that at birth, the human mind is infinitely capable, but each force that it encounters (social, physical, intellectual) begins a process he called "limitation" — a diminishing of that potential. SLEEPOVER™ was designed in hopes of limiting this "limitation", preventing the natural shrinking of brainpower, resulting in people with increased mental, artistic and trans-dimensional ability. Due to the fact that SLEEPOVER™ only prevented the limitation of the mind's potential rather than reversing it, it had to be administered to young dogmatic specimens (whose potential had not yet been limited) in order to produce any results. Well-known entertainer Erwin Schrödinger states that SLEEPOVER™ works by enhancing people's abilities of perception. He explains that reality is the way we perceive the world around us. Following the voodoo master Dr. Phil: “There is no reality, only perception”. Therefore, by changing perception, we change reality. And by changing reality, we allow ourselves to overcome Denial™, to surpass Acceptance™, and finally embrace Gratitude™. However, while normal people can only change their perception, SLEEPOVER™-positives can change other people's perceptions as well, thereby ruling inter-human relational dynamics. Notable politician Marcel Duchamp, under his alias Rrose Sélavy, is an example of this. When his moods changed, his perception changed, and therefore his reality, and Reality™ for that matters, changed: rather than depicting it as it should be, he started revealing it as it IS. Unwittingly, Duchamp caused a change in perception of those around him (people and objects included); by doing so, he was then one of the first cyborgs to travel do the Other Side™, operating the first dimensional clash that eventually led to the destruction of the Great Narratives and subsequently the End of the World™, in 1999. In other words, his moods were contagious, like a reverse-empath. This is how Andy Warhol, one of the most famous Duchamp’s doppelgängers, was able to defuse Walter Benjamin's aesthetically-reproduced Conceptual Time-Bomb™, by reversing time-space lineage and mechanically turning Lascaux’s walls into Macintosh tablets connected to the World Wild Web. As a consequence, the Ancien Régime’s jesters Nicolas Bourriaud, Yves Michaux and Arthur Danto committed suicide. SLEEPOVER™ induces different abilities among test subjects. Riku Nuutti Koistinen developed a psychic link with his test partner Thomas Hirschhorn. In 1891, a 3-year-old Koistinen appears to cause an "incident" in proto-Deleuze and proto-Guattari’s lab, causing a large portion of his room to appear charred or burned, which was perceived by many scholars as “art”. According to proto-Deleuze, this happened because Koistinen was triggered when he became too self-conscious of his own abilities, therefore tremendously anxious and upset, emotions that at the time were categorised as highly creative. In “Epidemic”, Lars von Trier’s first essay on Logics and Semiotics, SLEEPOVER™ subject Thomas Vintenberg grows agitated, and then self-immolates when he is unable to control his pyrokinetic abilities. His identical twin sister Gus van Sant, who also had been part of the Hell-Sink-Ya SLEEPOVER™ trials, was triggered by extreme emotions but able to focus his pyrokinetic ability on Harmony Korine with coaching from Koistinen himself. Terminally-ill Mark Dion, one of the greatest astro-physicists of the Third Dimension™, was even able to exchange energy with his SLEEPOVER™-tested peer Thomas Hirschhorn, just by touching him. This enabled Hirschhorn's condition to improve for a short period of time-space, moving his entire oeuvre from Helvetica (First Dimension) to PetaByte Cursive (Twenty-Seventh Dimension). His step-sister Miranda Julie visited him in First Dimension’s Portland, Oregon, but eventually collapsed and died. After Hirschhorn visited Damien Hirst, Joana Vasconcelos, Avelina Lésper and Slavoj Zizek, each died within minutes of contact with him from aggressive formal tumors. In “The Art Of Bowing To The East Without Mooning The West”, the Imaginary Museum team asked quantum sorcerer John Cage, an undocumented SLEEPOVER™ test subject, to read the mind of unconscious bed-ridden Stockhausen and identify two other suspects — Aalto and Sibelius. In the adjusted First Dimension timeline, Koistinen recalled Subject 3, who after been treated with SLEEPOVER™ was able to perform astral projection, creating distortion in the magnetic field and attract metallic objects who really looked like objects. Subject 3 is Chef Rø, a well-known Portuguese medium. He claimed that he never been able to astral project after the SLEEPOVER™ trial ended; however, the bad side effects eventually led to uncontrolled telekinesis, making him move metal knifes, forks and spoons in a three-dimension canvas. He later helped the Third Way™ Division to displace the energy and create what is now called Re-re-re-Realism [aka Stutterer Realism]. Moreover, SLEEPOVER™ test subjects could be immune to each other's ability. The famous transexual Marina Abramovic was not able to read Duchamp's mind, and young Jean-Luc Godard was not burned by young Sigmund Freud's pyrokinetic outburst. SLEEPOVER™-positives must be activated in order to use their abilities. Riku Nuutti Koistinen mentioned to Schrödinger that he was visited by a "strange man with 27-D glasses", who is presumably responsible for activating him. Schrödinger himself claimed that he was visited by an unidentified man, who told him he could learn to control his cybernoia because of testing done on him as a child in Amares. At the conclusion of “Third Way™”, Koistinen is seen in a drug-induced coma in an unidentified facility. Together with Tom of Finland, his psychic energy allowed him to cross over to the alternate universe. At the conclusion of “Third Way™”, mathematicians Aldous Huxley and George Orwell eventually monitored Koistinen during his immersion in the sensory-deprivation tank in the lab on Bracara Augusta. They noticed that his brain chemistry has spiked, and identified the dormant synthetic compound bound to his neurons. They estimated that it has been there since he was abducted by Portuguese art critics. Testing continued through the Spring of 1896 and Koistinen crossed-over to the parallel universe several times. A combination of love and terror is attributed to inducing his ability. While disintegrating his abusive critics, seven year-old Riku Nuutti Koistinen [aka Rogério Nuno Costa] transitioned to a large forested field, fell in love with a 24-light years old literary robot, and immediately froze. This process was then called Global Cooling™. A spinal tap administered to Koistinen by Samuel Beckett boosted the patient’s residual abilities, who later on appeared to be intertwined with Orson Wells’ code of Aesth(Ethics). From that moment on, he decided not to leave the Twenty-Seventh Dimension ever again, developing a powerful ability to detect fakeness, trickery and fraud.




domingo, 27 de abril de 2014

Residências Artísticas

A PREGUIÇA™
COMO NOVO AVANT-GARDE

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Há uma elite que se autopromove através da arte que define, e vende, como mercadoria internacional. A actividade desta produção é mistificada através de todos os meios de promoção mercantil, e os seus operários — os escravos das indústrias criativas —, tornaram-se manipuláveis e marginalizados através da construção da sua identidade em torno da noção de “artista”, e tudo o que ela implica: residências, festivais, concursos, plataformas de programação e outras feiras de gado. Chamar a alguém artista é negar a outra pessoa a capacidade de visão semelhante; assim, o mito do “génio” é apenas mais um rosto da justificação ideológica da desigualdade, repressão e fome. O que o artista considera ser a sua identidade não passa de um conjunto burocrático de atitudes e preconceitos semelhantes aos que aprisionam a Humanidade ao longo da história. Devemos rejeitar os papéis construídos em torno destas identidades falsas, assim como os produtos concebidos para a sua promoção. O nosso intento é questionar o papel do artista e a sua relação com a dinâmica do poder e da economia, dentro da nossa cultura.


Toda a gente sabe o que está errado!


Sabemos também que esta preguiça falhará por várias razões, a primeira das quais porque é uma má ideia. Mas levantará várias questões pertinentes. Em termos relativos, a preguiça só pode afectar as pessoas que optam por ser afectadas por ela. A preguiça é, nesse sentido, tão impotente como qualquer outra acção artística contemporânea. Para aqueles que ignoram a arte, ela poderia muito bem já ter desaparecido. A preguiça edifica outro novo momento da História da Arte: o término lógico da trajetória que começou quando os artistas se afastaram do universo ao qual pertenciam, e conseguiram não apenas alienar a maior parte da população em relação às artes, mas também alienar as artes em relação à cultura. A preguiça como novo avant-garde pretende penetrar no último acto desta comédia auto-destrutiva. Nós não podemos viver preguiçosamente neste mundo sem falar sobre isso. Cabe-nos comentar longamente a tentativa vã de justificar a nossa posição em relação à preguiça criativa, ao ócio antónimo de negócio, mas isso equivale à tentativa de justificar a nossa contínua "criatividade". O que permanece obscuro em tudo isto consiste em não requerermos qualquer tipo de justificação; SER é para nós suficiente. A necessidade de expressão parece-nos apenas sintoma da mais terrível insegurança. Através das mais variadas expressões artísticas, apenas procurámos a relação perdida, porque toda a nossa expressão natural foi destruída (por inúmeras razões civilizacionais). É esta ânsia de conexão com o outro que impulsiona a expressão. Mas que conexão real existe entre o artista e o público, ou entre as pessoas, de forma a justificar a arte, quando o alheamento entre o artista, o público e a sua cultura se tornou tão completo? Todos nós queremos ser amados. Mas consideramos a arte coisa inútil para esse fim. Exigimos pois que a “preguiça d’arte” se torne unânime e permanente.


Texto-manifesto escrito por Nuno Miguel para o programa do espectáculo "Residência (Artística)", em Março de 2012, e assinado pelos seus criadores: Rogério Nuno Costa, André Santos, David Bernardes, Diana Coelho, Marta Coelho, Roger Madureira e Tânia Figueiras Ribeiro.




quarta-feira, 1 de janeiro de 2014

POST-POP


Ou a obra de arte
na era da sua reprodutibilidade estética




















Alguns apontamentos avulso, a chegar e a partir de uma conversa-no-sofá entre Flávio Rodrigues e Rogério Nuno Costa, a 8 de Abril de 2013, no Porto, aos quais se foram juntando, por acumulação, e nos meses seguintes, outras experiências: pijama parties, sessões fotográficas, jantares gourmet, visitas guiadas a bares nocturnos muito mal frequentados, festas hipster, tardes na praia, tertúlias de chat, performances caseiras, coreografias ao domicílio e inúmeros sleepovers para cigarros, “gossip” e visionamento de clássicos do Youtube. Nove meses a escrever um texto. Não um guia para a interpretação de um espectáculo, mas um desvio hermenêutico contra essa mesma interpretação. Também não uma entrevista, mas a reescrita ficcional de uma transcrição (ora fonética, ora semântica) de uma troca de impressões (e de expressões) entre dois amigos. Nunca um ensaio, antes uma obra que começa e acaba no momento da sua enunciação. Podia ser um texto escrito a quatro mãos; é só a emanação de duas cabeças a pensar em vontades e dois corpos a perspectivar concretizações. Não há forma, portanto, só conceito. O cansaço obriga a uma anotação fugaz, ao mesmo tempo falada e teclada, dois planos sobrepostos que quase coincidem — o delay, imperceptível, faz lembrar a tecnologia que permite à MTV ocultar os fucks, os shits e os son-of-a-bitches em directo. Os efeitos sonoros de um motim chamado “Vida” podem causar um motim verdadeiro chamado “Efémero”. Parece-me ser essa a parábola certa, levianamente roubada a Burroughs, para iniciar a construção de um olhar sobre NIL-CITY — a realidade é uma ilusão auditiva, move-se a contrapasso e chega-nos sempre com um atraso de uma fracção de segundo, o bastante para que se corrija retroactivamente o que correu mal, ou se reponha o que ficou por dizer. NIL CITY começa por ser isso: a criação de um sítio com corrector automático acoplado aos corpos de quatro bailarinos, ou uma placa de ressonância magnética instalada no chão de um palco, que faz ressoar o eco dos ecos dos passos que se dão, e ainda um eco maior, o de Flávio Big Brother Rodrigues, a perscrutar tudo lá de cima (ou então lá de baixo, consoante o ângulo da paralaxe). Qual dos três o mais verdadeiro? Seria preciso impor um qualquer Ministério da Verdade orwelliano para responder a tal questão. Desaceleremos… Este texto poderia ser uma introdução não ao espectáculo NIL-CITY, mas ao seu mais imediato referente: o grau zero de uma cidade por nascer. Ou seja, este texto é o panfleto promocional, o mapa desdobrável, a revista da especialidade, o atlas geográfico ou o guia turístico (papel versus pessoa) de NIL-CITY, uma cidade abandonada, e ao mesmo tempo ocupada por uma catástrofe feita de pequenos abandonos, que Flávio Rodrigues nos convida a visitar. Ou seja, neste espectáculo, o espectador será um visitante. Num segundo plano, este texto é também uma tentativa de tornar verdade (por oposição a “real”) o pequeno texto sinóptico que escrevi, imaginando-me na pele e no coração do criador, para promover NIL-CITY nas semanas que antecederam a sua estreia. Assumi-lo-emos, aqui, como a primeira fala da personagem “Flávio” (didascália: o autor falando da sua obra). A personagem “Rogério” espera pela sua vez. Música (Nicki Minaj, “Pound The Alarm”), acção:

FLÁVIO
NIL-CITY podia começar por impor a seguinte ficção: uma equipa de investigadores do Departamento de Física de uma qualquer Universidade ocidental conseguiu provar que não há espaço para tudo, e muito menos para todos. E a seguir rebater com a seguinte realidade: os idiotas têm sempre razão! O resultado desta equação-performance é uma reflexão sobre o Fim enquanto resultado mais ou menos directo de uma saturação, mas invertendo os eixos: a matemática de NIL-CITY não se alicerça em espiritualidades (o nada, o vazio, o vácuo), mas antes numa materialidade unívoca — “Nil” é igual a ZERO. Trata-se, portanto, de uma performance est(ética)mente inaugural, partindo dos estilhaços deixados a solo pela explosão meta-referencial de “Rara: um discurso ingénuo e utópico”, a caminho de um não-lugar preenchido em excesso por um colectivo de intérpretes que será, ao mesmo tempo, hóspede e hospedeiro, matéria (meio) e material (fim): um Big Bang ao contrário, ou então um arrefecimento global. Através desta implosão bi/polar, NIL-CITY desenhará a maquete de um País a-referencial e inócuo, onde o tempo toma consciência da sua condição convencional, parando; e onde todas as duplicidades se transformam em triplicidades. É a alternate version do universo para onde todos queremos/vamos emigrar: um lugar em suspenso, sem antónimos, sem fricção, sem interrogações nem interrogatórios, sem política; onde o Luxo não é um luxo, onde a Arte (essa sub-categoria do Design) é um mero fetiche decorativo, onde o Ouro é o novo preto. Um lugar sem limites, logo, profundamente limitado. NIL-CITY convida-nos a uma paragem higiénica, não para pensar, não para agir, mas para condenar a nossa existência a uma neutralidade total e absoluta. NIL-CITY não é um milagre; é uma guerra fria.

ROGÉRIO
Curiosamente, é em “terrorismo” que penso quando assisto ao ensaio da tua peça. Não no seu sentido político mais imediato, mas através da sua possível abstracção: a radicalização de um gesto que se quer ao mesmo tempo destruidor e simbólico. Obrigo-me a resistir à tentação de ir procurar uma citação orelhuda ao livro “Filosofia em tempo de terror” (comentários dos filósofos Derrida e Habermas, poucas semanas após a queda das Torres Gémeas). Sintetizo assim: NIL-CITY é mais um número que um nome. 9-11, por exemplo.

FLÁVIO
Conceptualmente, NIL-CITY é um ícone, sim. Mas formalmente o que os intérpretes fazem é terrorismo ao contrário. Chegam a um lugar e o lugar não tem nada. Ou melhor, o lugar tem nada. E é sobre essa matéria que urge trabalhar. É na verdade a única matéria que lhes resta. Destroem esse nada, construindo. Não há nada para derrubar.

ROGÉRIO
Então NIL-CITY, o título, é um false friend. Nada tem a ver com nihilismo. É menos a negação de uma moral, e mais a afirmação de uma ética. Para começar do princípio, temos de começar tudo “de novo”. E isto nada tem de existencial. É pragmático e é contextual: existe um palco, negro, que precisa de ser preenchido. Não é uma utopia, mas também não é uma distopia. O espaço proposto por NIL-CITY é um espaço “protópico”: exactamente igual a todos os outros, apenas com uma ligeira diferença infinitesimal de foco.

FLÁVIO
Em NIL-CITY não falta nada. Por isso é que o acto de o preencher será sempre excessivo e super-abundante. Enquanto coreógrafo, interessa-me criar partituras de acção ultra-simplistas, quase requintadas, mas abusivamente impregnadas de referências exteriores ao espaço de acção.

ROGÉRIO
Vejo em NIL-CITY o momento anterior ao momento em que essas referências implodem. Como se a peça estivesse em suspenso, à espera da tal catástrofe do abandono, que nunca chega.

FLÁVIO
Mas NIL-CITY também é o momento posterior a isso que acabaste de dizer. Também é sobre o que fica depois da derrocada. Vou-te ler uma coisa que encontrei na rede social Last.fm. É a descrição de um “novo” género musical. Diz assim: “The term ‘Post-Pop’ arises from the assumption that pop music has long come to its end. It imploded due to the metamorphosis of its auto-regenerative attitude of negation into ironic depression. The artists labeled as ‘Post-Pop’ ironically play with the necessarily failing attempt to develop a new aesthetic after pop.”

ROGÉRIO
Ou seja, a descrição de tudo aquilo que se faz… Fazemos!

FLÁVIO
‘Post-Pop’ seria o único género musical possível?

ROGÉRIO
Musical, literário, coreográfico, cinematográfico, teatral, filosófico, gastronómico, psicossociológico, comercial, industrial, criativo, e até artístico!

FLÁVIO
‘Post-Pop’ é 2013?

ROGÉRIO
‘Post-Pop’ é 2013, mas também é todos os anos antes e todos os anos depois de 2013. Penso que todas as tuas peças são sobre essa elasticidade temporal (e também espacial) que faz com que cada novo empreendimento convide o Mundo™ todo para dentro do palco. Como? Erradicando a História e substituindo-a pela história, a tua. O que fazes até pode ser “auto”, e “bio” e “gráfico”, mas não creio que seja “autobiográfico”. As peças não são necessariamente sobre ti, mas sobre o espaço que tu ocupas nesse tempo que é elástico. E depois as peças relacionam-se umas com as outras como se de constantes spin-offs se tratassem. É talvez aqui que reside a conceptualidade inequívoca do teu trabalho. Repara que para mim “conceptual” é um substantivo, não é um adjectivo. És dos poucos artistas que conheço que não confunde conceptualidade com Arte Conceptual e, concomitantemente, não transforma o conceptual naquilo que ele não é: um estilo.

[Pausa: Flávio distrai-se e começa a deambular em torno de questões que se afastam do tema inicial. Fala de improvisações e qualidades de movimento (eu rio-me), depois salta para as demonstrações (porno)gráficas de luxo nos videoclips de R&B americanos, para os movimentos sócio-políticos de resistência e/ou de desistência, para a ideia de Paraíso (não me lembro se proferiu a palavra com letra maiúscula ou não), para os situacionistas (os artistas e os outros), para a condição do artista em Portugal, para as relações de Poder, para a estética de vários movimentos contra-culturais de países do Terceiro Mundo, para a vontade de se deixar ficar pelos pressupostos iniciais e pelos pontos de partida, procurando aí o ADN do seu discurso enquanto artista, e depois para uma série de referências cinematográficas das quais só recordo o Bergman, para daí começar a falar em dentes de ouro, colares de ouro, anéis de ouro, folhas de ouro comestíveis… Interrompo-o, para lhe mostrar o videoclip “Rich Bitch” dos sul-africanos Die Antwoord.]

FLÁVIO
Uau! Vou roubar essas ideias todas!

ROGÉRIO
Quanto muito, vais pedi-las emprestadas. Não entendo como é que se acha possível “roubar ideias”! A menos que se faça de conta que não existe um holograma chamado World Wide Web, esse doppelgänger do cérebro humano que, como tal, só funciona em modo copy/paste. Na verdade, o Homem funciona em modo copy/paste muito antes de ter surgido a World Wide Web. O Homem funciona em modo copy/paste desde que começou a pensar — copy/paste, logo existo.

FLÁVIO
Mas eu não queria que a minha peça fosse sobre isso.

ROGÉRIO
Não é. A tua peça, como todas as boas peças, é sobre ela própria. É sobre a possibilidade de ela acontecer. É sobre o momento em que a colocas à frente dos olhos dos espectadores. Se a tua peça fosse sobre outra coisa qualquer, não seria uma obra de arte, seria uma composição sobre um tema, um serviço educativo, uma festa temática, um objecto de design. Essas coisas até podem parecer-se com “arte”, mas não são Arte.

FLÁVIO
Mas NIL-CITY está cheio de outras coisas lá dentro.

ROGÉRIO
Sim. Outros símbolos, outros ícones e outros sentidos. Mas não passam de presenças. Isto é, estão presentes, apenas. São como os concorrentes da Casa dos Segredos quando vão às discotecas para… estar nas discotecas! Não valem instrinsecamente nada, mas servem um propósito unívoco: tornar visível (isto é, presente) a banalização da própria banalização inerente ao Mundo de merda em que vivemos. A tua peça reflecte essa dupla banalização, esse Nada. Ao contrário do vácuo e do vazio, no nada não existe sequer o espaço, isto é, não há coisa alguma, nem sequer um lugar vazio, para nele caber alguma coisa. Sendo o espaço o conjunto dos lugares, isto é, das possibilidades de localização, a sua inexistência implica a impossibilidade de poder conter qualquer coisa. Isto é, não se pode estar no nada.

FLÁVIO
Mas pode-se estar em NIL-CITY. Ao transitar entre esses três planos, NIL-CITY transforma um não-lugar num lugar-onde.

ROGÉRIO
Sim. Um lugar onde é possível observar, em suspenso, a Pop a comer-se a si própria, hecatombe vaticinada pelos 2 Many DJs no ano 2000 e que desde então se tem agravado de ano para ano. O devir da Arte chama-se MASHUP. Ponto de não retorno!

FLÁVIO
A Arte está dentro da Pop?

ROGÉRIO
Claro. A Arte e todas as restantes disciplinas criativas, do Espiritismo ao Desporto, passando pela Astrofísica e pela Decoração de Interiores. É tudo feito do mesmo e faz tudo parte do mesmo. Hoje cita-se Schrödinger como dantes se citavam ensinamentos budistas ou aforismos do Paulo Coelho. A Física Quântica é a mais sublime forma de transcendência para as massas.

FLÁVIO
Vou-te citar! Escreveste há dias no moral do teu Facebook: “O género ‘espectáculo infantil para adultos’ e o seu primo carnal ‘espectáculo adulto para crianças’ tem sido aplicado a todas as áreas da cultura pop, dos livros de auto-ajuda do Slavoj Žižek aos desfiles de moda da Marina Abramovic, passando pelas festas de aniversário da Yoko Ono, onde é possível ver a Lady Gaga a beber flûtes de champagne com o Jeff Koons.”

ROGÉRIO
Sim, pelo andar da carruagem, no próximo ano vamos poder comprar tofu de porco e seitan de galinha. E também fast-food com sabor a fast-food! A máxima assumpção do mundo pós-capitalista e pós-ideológico em que vivemos é justamente a transformação esquizóide de todas as artes e de todos os ofícios em “indústrias criativas”...

FLÁVIO (interrompendo Rogério)
O que é para ti Arte, Rogério?

ROGÉRIO (um bocadinho lixado com Flávio)
Essa pergunta já foi respondida por Marcel Duchamp em 1917. A resposta que ele deu é científica (vem do Latim scientia e significa “conhecimento”). Tal como a Terra, desde Copérnico, continua a girar à volta do Sol, também a Arte, desde Duchamp, continua a ser um nome, apenas. Só a Arte é “uma arte”. E a única estetização possível é a estetização da própria Estética.

FLÁVIO
Cortar o mal pelo rizoma?

ROGÉRIO
Sim, porque a História está sempre a esquecer-se de tomar a medicação para o Alzheimer... E de vez em quando lá voltam a estar na moda aqueles artistas completamente incapazes de ler um livro, mas com “muita sensibilidade e inteligência emocional” (sic).

FLÁVIO
Eu pessoalmente sinto que ando a ler os livros errados na altura certa.

ROGÉRIO
Mensagem subliminar ao leitor: nos dias que correm, less é mesmo só less

FLÁVIO
Vou deixar também uma mensagem subliminar aos espectadores de NIL-CITY: esta peça não é sobre falhas, nem sobre erros, nem sobre a importância do processo, nem sobre a manutenção de estados de fragilidade, nem sobre nenhum desses fetiches mal resolvidos com os anos 90 que se vêem por aí plasmados em sinopses que começam com entradas da Porto Editora. Eu inspiro-me nesse momento proto-inaugural em que Christina Aguilera renasce das cinzas, aparecendo de novo magra, maravilhosa, perfeita e invencível ao lado de Pitbull. Não me interessa a decadência, nem o insucesso, nem o esquecimento. Nem tão pouco a sua estetização através do filtro do glamour. Interessa-me o Poder. E NIL-CITY é uma ode ao Poder, e à Glória, e ao Ouro.

ROGÉRIO
Vou-te ler um excerto de um texto que escrevi para o meu último espectáculo. Poderia ter sido escrito para o teu: “(...) não uma morte regenerativa, mas um fim, um eclipse, puff! Ou bem que desaparece mesmo tudo, ou não vale a pena darmo-nos ao trabalho de filmar mais um Fim do Mundo épico nos estúdios de Hollywood... No Novo Mundo megalofísico, todos seremos vírus. Sem tangibilidade, sem existência corpórea, só éter. Meta-organismos salubres e inodoros, passivos na sua atitude estritamente contemplativa, mas utilitários na sua condição una de observadores infinitos. Ver. Organismos que vêem. Acção singular mas pluri-direccionada. Seremos entidades uni-celulares munidas de um só olho que vê, simultaneamente, 27 dimensões quânticas sobrepostas — passado, presente e futuro condensados num só prisma arquitectural. Não seremos estruturas, mas sistemas. Pares de olhos com braços, inertes, e estendidos em tapete ao longo de toda a superfície sideral. Uma só cor. Um só destino: sermos espectadores de nós próprios. Uma nuvem imensa de sub-produtos culturais do Velho Mundo pairará sobre nós, chovendo ininterruptamente toda a ordem de partículas de sentido estético, com o único propósito de nos entreter. Pop!, pop!, pop!... (ou então: twerk!, twerk!, twerk!...) More is more! Não seremos todos artistas, seremos todos designers. A nossa forma, infinita manta de retalhos ciberespacial, seguirá a nossa função — meta-meta-meta-espectadores (...). Ao Homo Ludens só lhe resta e-xistir.”

FLÁVIO (bebendo Coca-Cola)
Por exemplo, ando a ler “A Revolta das Massas”, do Ortega y Gasset.

ROGÉRIO
Desde que não me digas que primeiro fazes e depois pensas, podes ler o que te apetecer.

FLÁVIO
NIL-CITY é um bailado, Rogério. Um bailado (infinitamente) moderno. Feito de corpos expectantes, que observam. Passa-se em muitas latitudes, por isso o clima muda mais ou menos de 5 em 5 minutos. É uma viagem trans-dimensional. Quatro argonautas conversam sobre a possibilidade de não dizerem nada, sobre a possibilidade de apenas pararem para escutar e depois olhar. Ou ao contrário. NIL-CITY é um comboio que vai passar, portanto. Também é uma manta de retalhos bi-cromática: preta e dourada. Um videoclip. Uma cerimónia de entrega de prémios da MTV (ou outro canal qualquer, desde que americano). É a língua da Miley Cyrus. É um livro aberto na página 2013. Vou repetir: NIL-CITY é um bailado (infinitamente) moderno. E como tal tem lá dentro todos os clichés mais ou menos ridicularizáveis da dança. Ou da Dança. E todos os estereótipos ligados à figura do bailarino. Dentro do comboio que vai passar está a Britney Spears, aborrecidíssima. E na página 2013 do livro está um texto em Inglês com o título “Never skip the intro, stay there!”. E na entrega de prémios da MTV, a Miley Cyrus aparece para entregar o galardão principal ao Harmony Korine, que entra em palco arrastando o cadáver da Marina Abramovic. E o videoclip não é bem um videoclip, porque não tem música. O palco onde isto tudo acontece é simétrico e sincrónico. Tudo ocorre ao mesmo tempo, durante, enquanto e entretanto. Um sistema de vídeo-vigilância apaga todos os palavrões. Está tudo calado, não porque não haja nada para dizer, simplesmente porque o silêncio é sexy. NIL-CITY é um corpo nutrindo um fetiche sexual por si próprio — autofagia, silêncio, calma, feitiçaria. Fala-se de valor, de fim, de escapes, de zonas paradisíacas, de favelas camufladas, de turismo, mas acima de tudo de amor: por um Deus ao mesmo tempo high tech e low tech — natural, perfeito, valioso e anárquico. E porque só existem duas maneiras de viver — 1) como se nada fosse um milagre, 2) como se tudo fosse um milagre —, caberá ao espectador decidir como entrar em NIL-CITY.

WALTER BENJAMIN
Aquilo que vos une, enquanto seres pensantes que de vez em quando criam, é essa necessidade quase mórbida de se transformarem, permanente e incessantemente, em clichés de vós próprios. O último passo do Capitalismo não é o apagamento da face humana, mas antes a transformação do Homem no objecto do seu próprio desaparecimento. Só vos resta consumirem-se a vós próprios. Sem linguagem, só língua. Linha recta. Sempiterno nec otium. Talvez seja isto a obra de arte na era da sua reprodutibilidade estética.

©André Mendes

Texto escrito para o programa do espectáculo NIL-CITY, trabalho coreográfico de Flávio Rodrigues para o Ballet Contemporâneo do Norte.

Rogério Nuno Costa, Dezembro 2013